BIOGRAFÍA.-ABAD ORTEGA,J. CAMENO MAYO, A3

Clint Eastwood nació en San Francisco, California, el 31 de mayo de 1930. Su nacimiento tuvo lugar en plena depresión americana, meses después del crack del 29. Su infancia fue anómala ya que su familia se veía obligada a viajar por California es busca de trabajo.  Finalmente se instaló con su familia en Okland.

Durante su adolescencia obtuvo varios trabajos a media jornada. Será también en su juventud cuando comience su pasión por el Jazz, contribuyendo activamente a esta música tocando el piano en los diferentes clubes que frecuentaba por toda California. Su leyenda de mujeriego nació cuando comenzó a tocar el piano ya que atraía a las chicas por su habilidad con este instrumento.

En 1951 es reclutado por el ejército para la Guerra de Corea en el campamento Fort Ord en California.

Tuvo suerte y no fue enviado a Corea, pasando a trabajar de socorrista en la piscina de Fort Ord. Tras salir del ejército se planteó ser actor, por los consejos de actores que se encontraban en Fort Ord, y se apunta a clases de arte dramático.

Probó suerte en los estudios de Universal, donde firmó un contrato. Su primer trabajo como actor fue en La Venganza de la Criatura en 1955. Tras este papel participó en pequeños proyectos  televisivos.

Su gran oportunidad llegará con el cine Western.  Le invitaron para una prueba por su aspecto de tipo duro y así consiguió el papel de coprotagonista en la serie La ley del revólver.

En el 64 tuvo su primer contacto con Sergio Leone, director de películas del género llamado Spaghetti Western. Bajo su dirección, Eastwood protagonizará las grandes películas que le llevarán a la fama como un Un Puñado Pe Dólares,  El Bueno, El Feo y El Malo,  La Muerte Tenía Un Precio.

Durante la década de los 70 quiso dar el salto hacia la dirección. Para ello, creará  su propia productora, llamada Malpaso.

En esta época alcanzó el estrellato con películas como Obsesión Mortal o El Seductor, aunque el personaje que más fama le dio fue el de Harry el Sucio. Pese al éxito, Eastwood fue criticado por las formas poco ortodoxas de su personaje.

A mediados de la década de  1970, se embarcó en otro proyecto: el rodaje de la película Especialista En El Crimen. Pese a esto, Eastwood no se sentía cómodo en Universal, tenía la sensación de que sólo le encargaban pequeños proyectos y él era más ambicioso. Por ello, decidió cambiar Universal por Warner Brothers.

         Rápidamente se dio cuenta de que había acertado con el cambio puesto que Duro de Pelar, donde trabajó como actor, fue el tercer mayor éxito de Warner después de El Exorcista y Superman.

         En el año 1979 Clint Eastwood se separó de su mujer, Maggie Jonson, ya que una relación más que profesional con Sandra Locke, actriz con la que había trabajado en varias de sus películas Ruta Suicida, Bronco Billy, El Fuera De La Ley, La Gran Pelea...

         En el año 1980, nos muestra su faceta más “dulce” con Bronco Billy, la cual no parecía una película  de  Clint Eastwood. Este filme fue bien acogido por la crítica pero no gustó en taquilla.

         En 1982 llega su primer fracaso: Aventurero De Medianoche. Eastwood declaró haberse divertido protagonizando este filme  junto a su hijo Kyle; sin embargo, no gozó de éxito en taquilla. Aun así, pese a sus fracasos, Clint Eastwood nunca traicionó su filosofía.

         Un año más tarde de su primer fracaso, regresa a la gran pantalla como Harry El Sucio en la película Impacto Súbito, con Sandra Locke como coprotagonista.  Fue la película más famosa de la saga y donde Clint Eastwood pronunció su frase más famosa: “Anda, alégrame el día.”

En 1986. Eastwood, se presentó para alcalde en la pequeña ciudad donde vivía, Carmel Valley. Dos meses después gana las elecciones y en su mandato aprobó una serie de medidas que fueron bien acogidas por los ciudadanos.

         Pese a su tarea como alcalde de Carmel Valley, Eastwood no dejó  de protagonizar y dirigir películas. Siendo alcalde trabajó en películas como: El Sargento De Hierro, La Lista Negra (última de la saga de Harry El Sucio, que no dirigió, sólo protagonizó. Bird (una película que gira en torno al Jazz, estilo musical que siempre le había apasionado.

         En 1988, terminó su labor como alcalde. En estos años, su carrera atraviesa una crisis, no consigue grandes éxitos de taquilla con películas como Bird o El Cadilac Rosa, donde conoció a Frances Fisher. 

         Pese a no lograr éxito, su relación con Frances Fisher es cada vez mejor, hasta el punto que termina separándose de Sandra Locke (1987).

         Clint Eastwood, a fines de los 80, era conocido por su faceta de tipo duro, pistolero y por su personaje de Harry El Sucio pero él deseaba seguir creciendo. En 1990 lo intenta, dirigiendo la película Cazador Blanco Corazón Negro. Quiere cambiar su rol pero no lo consigue.

A principios de los 90 se atreve a dirigir el filme titulado Sin Perdón, un proyecto que llevaba planeando desde tiempo atrás. Es una película personal, el tipo de filme con el que Eastwood no lograba el éxito deseado. Sin embargo, ésta fue muy bien acogida por la crítica y recaudó una importante cantidad de dinero en taquilla.

La primera mitad de la década de los 90 fue excepcional para Clint Eastwood ya que recibió varios premios: en 1993 ganó 4 Oscar y en 1995 el premio Thalberg.      

         En 1995, Cint Eastwood y Frances Fisher se separan aunque continúan teniendo una relación de amistad, además de tener una hija en común.

         Los Puentes De Madision de 1995, muestra una faceta diferente de Clint Eastwood, un lado sensible  que sorprendió a muchos. Pese a ello fue un gran éxito, sobre todo por la química entre los dos protagonistas, Clint Eastwood y Meryl Strip.

Durante estos años destacan otros filmes de suspense como Poder Absoluto y Ejecución Inminente.

En la primera década del siglo XXI, destacan películas importantes como Mystic River, Million Dollar Baby, Banderas de nuestros padres, Cartas desde Iwo Jima, Gran Torino, Invictues J.Edgar. Gracias a ellas recibió diversos premios: 2 Oscar por Million Dollar Baby y 2 Globos de Oro por Million Dollar Baby y Cartas desde Iwo Jima.

Presentación en imágenes, Esther Fonteboa

BIOGRAFÍA

PELÍCULAS COMO DIRECTOR

Sin Perdón

Los puentes de Madison

Cartas desde Iwo Jima

Gran Torino

Invictus

FACETA COMO ACTOR

LOS PUENTES DE MADISON. GRANDE LÓPEZ ANA

Los Puentes de Madison

The Bridges of Madison County

1995

“Este tipo de certezas sólo se presentan una vez en la vida” Robert Kincaid

El argumento de esta película está basado en la novela homónima escrita por Robert James Waller. Es un ejemplo de drama romántico dirigido a un público maduro que cuenta a partir de la técnica del flashback, la experiencia sentimental de Francesca, por medio de sus diarios y cartas.

La película puede considerarse como un punto y aparte en la filmografía de Clint Eastwood, al tratarse de un melodrama romántico, que narra la historia de amor que vive Francesca (Meryl Streep), ama de casa en una granja del condado de Madison, con Robert Kincaid (Clint Eastwood), fotógrafo del National Geographic que acude a dicho lugar para realizar un reportaje sobre los puentes allí construidos. Dicha historia sale a la luz, tras conocer los hijos de Francesca el sorprendente testamento de su madre.

El hecho de que el filme sea romántico, no es lo único novedoso en el cine de Clin Eastwood. También llama la atención, que sea un personaje femenino el que guíe el relato. El largometraje, es una crítica a la angustia de ser rechazados por la sociedad al seguir nuestros deseos, sueños, e impulsos, lo que acaba sumiendo nuestra persona en un estado de aparente infelicidad. Por este motivo es asombroso el trabajo de Eastwood, puesto que logra que la actitud y las decisiones de Francesca, no caigan en un juicio moral a ojos del espectador. Lo que se plantea es una historia de amor, en su máxima expresión, prohibido e indeleble del corazón de una mujer, el cual es comunicado con tal estremecedor sentimiento, que se convierte en una vivencia no experimentada. El director a base de detalles, recalca el carácter atemporal del amor siendo interrumpido con las referencias al presente, de la mano de los hijos de Francesca.

Hay un aspecto interesante en la película, y es el cómo Eastwood introduce una crítica a los prejuicios, en relación con el convencionalismo comentado en el párrafo anterior. Al contar la historia Francesca, sólo podemos conocer aquellos momentos que ella presencia. Sin embargo, hay una escena que sólo protagoniza Eastwood, pero que con la llamada telefónica que realiza a Francesca, hace posible que nos sea revelada. Esta escena es la que muestra el menoscabo que sufre una mujer, por sus convecinos, al serle infiel a su marido.

Es al final de la película cuando un conjunto de fuertes emociones invade el sentimiento del espectador. La decisión de que el amor entre los personajes acaba, es tomada por Francesca y respetada por Robert. Hasta ese momento mantienen cierto grado de serenidad, tanto los personajes como el público que está viendo la película. Pero esa aparente tranquilidad, se rompe con probablemente la escena más difícil del filme. Una escena bajo la lluvia que muestra a un Eastwood expectante y a una Meryl Streep confusa, estado que transmite al espectador, haciendo que éste sienta lo mismo que ella. Los detalles marcan la esencia de ese momento. Robert, ya dentro del coche, cuelga del retrovisor el colgante de la cruz que Francesca le había regalado días antes, y espera el semáforo incluso cuando éste cambia a verde, secuencia que se dilata en el tiempo (influencia de Sergio Leone). Francesca observa la situación desde su camioneta, conducida por su marido, que está detrás de la de Robert. Tanto en la expresión de la cara de Francesca, como en la música, como en el detalle del plano de su mano agarrada a la manilla de la puerta, con intención de abrir la misma e irse con él, se concentra su deseo de escapar. Sin embargo, para desconsuelo de todos, no se atreve a dar ese paso. Quizá piense que todo fue especial, porque desde un principio ambos sabían la limitación temporal que esa experiencia tenía.

Un halo de esperanza nos llega al final de la película, remitiendo a la voluntad de Francesca de ser incinerada. Eastwood nos libera de esa decisión no deseada, con el esparcimiento de las cenizas de Francesca en el puente Roseman, pues como dice la protagonista en una de sus cartas: “Entregué mi vida a mi familia, ahora quiero entregar a Robert lo que queda de mí.”

MYSTIC RIVER. GRANDE LÓPEZ ANA

Mystic River

2003

“Me pregunto en qué momento se pierde la inocencia” Marcia Gay Harden

Sobrecogedor largometraje basado en el bestseller del novelista Dennis Lehane que fue adaptado al cine por el guionista Brian Helgeland.

Como acostumbran los relatos de Lehane, esta historia nos sitúa en un barrio marginal de la ciudad de Boston (Massachusetts) donde ocurre un trágico suceso que marca las vidas de tres amigos para siempre, distanciando la relación entre los mismos.  

La novela negra, y su plasmación cinematográfica, es cuanto menos real y verosímil. El trabajo de Clint Eastwood en este filme es espectacular, pues se sale de la trama meramente policiaca para adentrarse en la vida y los sentimientos de cada personaje (marcados todos por la violencia y sus consecuencias), interiorizando de manera abrumadora en lo más oscuro de cada uno. Esto le permite criticar sin prejuicios el aspecto miserable del ser humano, sus fantasmas reales e imaginarios que lo atormentan hasta impedirle escapar de su destino, capaz de marcar su existencia; al mismo tiempo que deja poco espacio para la esperanza. Así, Eastwood trata temas como: la culpa (sentimiento inevitable en Jimmy y Sean, por haber sido Dave quien subió al coche, momento al que se alude en la escena en la que éste se monta en el coche con los matones de Jimmy, y al final de la película cuando Jimmy y Sean recuerdan aquel fatídico día del cual no pueden salir emocionalmente), el perdón, la justicia (alejada de la ley que aplica Sean como detective de homicidios en el Estado de Massachusetts, con Dave como asesino de pedófilos y Jimmy como cerebro criminal, que se retira de tal mundo tras ser excarcelado y dedicarse a su familia, en especial a su hija Katie). Además en la película se denuncia un tema que obsesiona al director: el de la infancia desprotegida, con detalles como los de al comienzo de la película, cuando se llevan a Dave sin que éste terminara de escribir su nombre en el cemento, símbolo de una infancia interrumpida por dos monstruos a ojo de un inocente niño, y el hecho de que uno de ellos llevara un anillo con un Cristo, cuestionando la protección de los hombres de Dios a los niños.

Los tres personajes principales quedan afectados por el suceso de su pasado, que determina sus vidas como adultos. Individualmente estos personajes complejos y muy bien definidos, tienen sus propios demonios personales contra los que luchan, aportando esto más vida al relato. El personaje de Dave (Tim Robbins) queda traumatizado tras vivir su dolorosa experiencia de niño, la cual intenta superar interiorizando. En este punto nos encontramos con la lección de que en la vida debes asimilar tus miedos y tus problemas, resolviéndolos con la comunicación, afianzando la confianza en uno mismo para así no agravar los problemas y convertirlos en extraordinarios. Junto a Dave está su esposa Celeste (Marcia Gay Harden), un claro ejemplo de debilidad, de miedo, una mujer que no confía en su marido, actitud que le llevará a la desolación.

En el lado opuesto vemos a Jimmy (Sean Penn), personaje que encarna la idea de un “depredador”. Es un hombre con una actitud fuerte y firme. Ingresó en prisión dejando a una esposa enferma y a una hija, por y para la cual vivió tras salir de la cárcel, hasta que ésta fue asesinada, pereciendo con ella parte de su vida. A su lado, su segunda esposa, Annabeth (Laura Linney), con una actitud totalmente opuesta a la de su prima Celeste, es una mujer segura, leal y protectora, que sorprende con el mensaje alentador que transmite a su marido, sobre lo que significa ser un hombre de verdad.  Cabe mencionar también al personaje de Katie, la hija asesinada de Jimmy, y sus ambiciones y deseos de salir de ese barrio marginal que limitaba sus sueños.

En tercer lugar la figura de Sean (Kevin Bacon), que como ya he dicho anteriormente es detective de homicidios, un empleo que ha deshumanizado su persona y le ha separado de su mujer con quien mantiene infructuosas llamadas telefónicas. A su lado, el detective Whitey Powers (Laurence Fishburne) es quien aporta objetividad a la hora de investigar el caso del asesinato de Katie, que tras veinticinco años ha reunido a los tres amigos de la infancia, ahora meros conocidos.

Analizando los personajes, se observa la relevancia de las aportaciones femeninas a la trama.

La película fue galardonada con dos premios Óscar a mejor actor, Sean Penn, y mejor actor de reparto, Tim Robbins. Aunque el papel que desempeñan ambos actores es verdaderamente bueno a lo largo de la película, cabe mencionar dos escenas en las que sus actuaciones alcanzan su máximo esplendor. La reacción de Jimmy al descubrirse el cuerpo sin vida de su hija y cómo entre gritos de desesperación es retenido por un grupo de policías, culminando la escena con un plano cenital, que puede significar la mirada de Dios.

Por su parte, la destacable escena de Tim Robbins se produce cuando en una habitación oscura de su casa, le habla a su asustada mujer de sus sentimientos y los miedos y demonios que se apoderaron de él y le han convertido en un monstruo. Argumento que se dramatiza con la centrada iluminación en los ojos de Dave. 

Para concluir con el análisis, es interesante citar una frase de Jimmy: “Aquí enterramos nuestros pecados y lavamos nuestras conciencias “. Se refiere por supuesto al Mystic River, donde arroja a la víctima que cree culpable del asesinato de su hija.

Esta obra maestra no sólo mantiene al espectador intrigado por los misterios que esconde sino que también, crea en él cierto vacío que hace que reflexione sobre el papel que ejerce en su vida, sus límites, sus miedos y la actitud con la que debe afrontar las situaciones.

Personalmente, me quedo con la escena en la que Katie y sus amigas están bailando en la barra del bar en el que Dave se está tomando una cerveza, y cómo éste las observa en silencio, ajeno al bullicio de la fiesta, como pensando: “yo me he perdido eso”.  

BIRD. GRANDE LÓPEZ ANA

Bird

1988

“A todos los músicos del mundo” Clint Eastwood

Musicalmente hablando, Clint Eastwood se ha decantado siempre por el género jazz. Ya en su adolescencia era espectador de las bandas de jazz las cuales le dejaron tan absorto, que si su carrera en la industria del cine hubiera fracasado, se habría dedicado a mantener vivo este género musical. Por este motivo no es de extrañar que realizara una película sobre Charlie Parker, que fue uno de los iniciadores del estilo musical bebop (una auténtica revolución en este género), con la que rindió homenaje al saxofonista y al estilo de música que éste interpretaba.

El proyecto, que en principio iba a ser producido por Columbia y protagonizado por Richard Pryor, acabó siendo producido por la Warner Bros y protagonizado por la, por entonces, no tan conocida cara de Forest Whitaker. Éste fue un cambio que le costó a Eastwood la dirección de Revenge. Además, el acuerdo con la Warner le obligó a protagonizar otra entrega dando vida a Harry Callahan, y Pink Cadillac.

El filme de Bird no sigue al pie de la letra la estructura de un convencional biopic (película biográfica), ya que profundiza más en el mundo del jazz. Se trata de un largometraje complejo y arriesgado, pues no sigue una historia lineal, sino que continuamente da saltos en el tiempo, apoyándose en la técnica del flashback. Lo trascendental de la película, como quiso Eastwood, no es contar la vida del personaje, sino a través de la misma, transmitir el sentimiento por el cual es recordado el artista, concibiendo el jazz como expresión artística.

El drama musical, describe a Parker en sus mejores y peores momentos, siendo retratado como genio y como víctima de la drogadicción y del alcoholismo, temas a los que, directamente, sólo dedica una escena, cuando uno de los músicos de su banda consigue droga para consumir. No incide en escenas de este tipo porque la intención del director se centra en enseñar las consecuencias de la adicción. En esta trama identificamos la habitual faceta del director de exponer la cruda realidad que viven incluso las personas con fama. Eastwood evitando el sensacionalismo, plasma los últimos años de la vida de Parker exponiendo el éxito, la autodestrucción y la muerte de este genio del saxofón del siglo XX.

Como he dicho antes, los flashbacks se convierten en un elemento al que recurre el director para llenar de detalles la historia haciendo así posible la comprensión de los porqués que responden a cómo era este jazzman, improvisando al igual que hacía el mismo, con alegorías sencillas como la del platillo volante, una anécdota del músico cuando no era aún famoso, que simboliza la trayectoria personal de Parker.

En el reparto de Bird destaca la excelente interpretación de Forest Whitaker quien se convierte en Charlie Parker, dando vida al personaje autodestructivo que acostumbra a mostrar el cine de Eastwood.

Cabe destacar el trabajo de fotografía que realiza Jack N. Green pues aporta a la actuación de Whitaker el elemento que termina de definir la perdición del personaje, creando escenas de extremado tenebrismo.

Clint Eastwood ganó el Globo de Oro al mejor director por esta gran obra maestra sobre jazz, mientras que, por su parte, Forest Whitaker recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes. Además de estos merecidos galardones, el filme obtuvo el Óscar al Mejor Sonido en 1989, gracias a la idea de Lennie Niehaus de diferenciar los solos del músico, con grabaciones inéditas cedidas por la viuda de éste, de los nuevos sonidos grabados para la película.

De entre todas las escenas que componen la película, una de las que más impresión me causa es la del envío de telegramas por parte del artista a su esposa, tras la muerte de su hija. Unos telegramas que pasan de expresar el dolor por la pérdida, a solicitar una ayuda desesperada para su persona. Una sublime actuación de Whitaker que transmite al espectador el desconcierto que en ese momento sufre Parker.

Space Cowboys. Esther Fonteboa López

Esta película del año 2000 está dirigida y protagonizada por Clint Eastwood y con la presencia de otros actores  como: Tommy Lee Jones, Donlad Shuterland, James Garner, James Cromwell  y Marcia Gay Harden entre otros.

Tiene una duración de 123 minutos, el guión es de Ken Kuafman y Howard Klausner, la banda sonora es de Lennie Niehaus.

Sinopsis

La película narra  el viaje al espacio de  cuatro veteranos del ejército del aire de los EEUU. Estos veteranos consiguen cumplir su sueño de viajar al espacio 40 años después, debido a que un satélite de comunicaciones ruso se ha salido de su orbita. Para evitar que este caiga a la tierra el encargado de repararlo es Frank Corvin ( Interpretado por Clint Eastwood), su creador, que impondrá la condición de llevar a su propio equipo a espacio.

La obra trata con ciertos aires cómicos  la carrera espacial estadounidense, es por así decirlo una especie de comedia sobre los viajes espaciales americanos, ya que en ella podemos ver a un grupo de jubilados convertidos en astronautas, con una preparación  mínima de tan solo 30 días, en lugar del tiempo de preparación necesario. Además viajan para salvar un satélite ruso con un sistema estadounidense integrado, algo cuanto menos irónico pues es un satélite de los comienzos de la carrera espacial.

Debemos explicar a continuación que es la carrera espacial:

Fue la competencia que hubo entre EEU.UU y la Unión Soviética, por hacerse con el espacio exterior y llegar a la luna. Duró alrededor de 18 años, y comenzó con el lanzamiento del  satélite artificial Spunik 1, por parte de la Unión Soviética el 4 de Octubre de 1957.

Esta carrera supuso para ambos países una rivalidad de carácter tecnológico pero también cultural. La película muestra como la carrera espacial está estrechamente ligada a la política, en mi opinión se basa todo un conjunto de intereses políticos y militares por parte de ambos estados.

El envío de los primeros seres vivos al espacio también aparece reflejado en la película con los recuerdos de Frank  de su primer viaje al espacio fallido, en el que durante una rueda de prensa se ve obligado a darle la mano a un chimpancé.

El programa espacial de los Estados Unidos comenzó a enviar chimpancés al espacio antes de enviar a seres humanos. Son muchos los casos de animales enviados al espacio, tanto por la potencia soviética como por la estadounidense. El primer animal enviado al espacio fue la perrita Laika que viajo en la nave soviética Sputnik 2, en el año 1957, pero falleció poco después de su vuelta debido al agotamiento.

Poder absoluto. Esther Fonteboa López

Para analizar esta película seguiremos el modelo  de análisis de la película  anterior, hablaremos primero brevemente de sus características y luego intentaremos abstraer o interpretar el porqué de la película, lo que nos puede transmitir.

Esta película del año 1996 es dirigida e interpretada por Clint Eastwood, basada en el libro de  David Baldaci, el guión es de William Goldman. La producción corre a cargo de Castle Rock Entertainment y Malpaso, la banda sonora es de Lennie Niehaus.

Sinopsis

La trama comienza cuando Luther Whitney  (un ladrón de guante blanco, interpretado por Clint Eastwood) acude a robar la mansión del multimillonario Walter Sullivan, amigo del presidente de EE.UU que se encuentra de vacaciones en ese momento.

Pero lo que no se espera Luther es que será testigo de un crimen en el que el presidente estará involucrado,  nada más y nada menos que el asesinato de una mujer.

Tras el asesinato Luther será acosado por los servicios de seguridad de los Estados Unidos y por la policía.

Esta película nos hace reflexionar sobre la  corrupción que hay en los sistemas de gobierno actuales, da igual que sea un gobierno de Sudáfrica, uno Europeo o uno de la gran nación de los Estados Unidos de América.

Pues como podemos ver en la película cuando se trata de una persona importante como en este caso es el presidente de Estados Unidos ¿Quién puede hacer frente a la injusticia? ¿Quién puede impartir justicia al máximo organismo de poder?

Todas las constituciones promulgan la igualdad de derechos y obligaciones de los sujetos ante la ley establecida. ¿Pero pagan igual los delitos los ricos que los pobres? ¿Las personas en el poder?

En mi humilde opinión no, y me baso en las noticias de corrupción que podemos ver todos los días en España. El caso Barcenas sin ir más lejos, en el que todo un partido que dirige un estado como es  el español está implicado en caso  de corrupción.  Incluso  puede que el mismo presidente de gobierno. ¿Y aquí  como podemos estar seguros de que se hace justicia? Porque no vemos que ningún dirigente pague sus delitos, como mucho una cabeza de turco que paga por todos.

Pero para no alejarnos de los casos de corrupción en EE.UU, en esta película pienso que podemos observar paralelismos con el caso Watergate, un escándalo político que sucedió en los Estados Unidos el año 1972,  durante el mandato de Richard Nixon.

Se arresto a 5 hombres por el allanamiento de la sede del Comité Nacional del Partido Demócrata, en las oficinas Watergate. Nixon por entonces en el gobierno conspiro con su equipo para ocultar el allanamiento, pero dos años después salió a la luz la verdad sobre los hechos. Nixon tenía un sistema de grabación de cintas en su oficina, había grabado conversaciones en la casa blanca. En las cintas se mostraba que el presidente había obstruido a la justicia y había intentado tapar el robo.

Con todo esto solo me queda plantearme ¿porque los pobres si debemos de pagar por los delitos que cometemos y los ricos no? ¿Hasta qué punto cumplen sus condenas los grandes dirigentes, los magnates multimillonarios, los famosos?

¿ES ESTA REALMENTE UNA SOCIEDAD DE IGUALES?

Gran Torino. Esther Fonteboa López

Para comenzar quiero analizar la forma en la que llevare a cabo la crítica de esta película, creo que lo importante es centrarnos en la abstracción moral y social que podemos obtener de ella y no tanto en hacer un simple resumen de la misma, pues en una sociedad como la actual podemos obtener una sinopsis de la película en cualquier página web. 

Aun así creo necesario incluir un pequeño resumen de la película y las características generales para  posteriormente abordar el tema importante en cuestión.

Esta película  dirigida por Clint Eastwood en el año 2008  tiene una duración de 119 minutos, el guión es de Nick Schenk y la  banda sonora de Kyle Eastwood y Michel Stevens. La productora es Warner Bros Pictures.

Sinopsis

La película trata de  Walt  Kowalsk (interpretado por Clint Eastwood,) un veterano de la guerra de Corea  jubilado, tras enviudar  y con una familia despreocupada por completo por su situación, el único interés que conserva en su vida es cuidar de su viejo coche, un Gran Torino del año 1972.

 Walt un hombre severo, con ideas conservadoras e incluso con ciertos aires racistas,  deberá adaptarse a la situación social que le rodea, pues vive en un barrio  con una creciente inmigración de población asiática.

¿Qué podemos abstraer de la película?

Esta película presenta varias críticas claras a la sociedad Americana en particular, pero también porque no a la sociedad en general.

 En primer lugar al racismo que se arraigo en la sociedad americana, con la segregación racial manifestándose principalmente contra afroamericanos, pero en la actualidad continua la tendencia hacia chinos, japoneses, judíos y musulmanes.

Históricamente debemos  de remontarnos  al llamado fenómeno de la reconstrucción, tras la guerra de 1861-1865 y la liberación de los esclavos, los  estados del sur  resentidos por la derrota comenzaron a propagar multitud de leyes racistas.

Este proceso se extendió  en 1877 con la elección de Rutherford  Hayes como presidente de los EE.UU.

Para camuflar el  racismo comenzó a utilizarse el término segregación con el concepto de “ Saparated but Equal” . Consistía en separar a las personas dependiendo de su origen o su color de piel en distintos espacios y con leyes distintas.

La segregación racial fue practicada en munchos lugares del mundo hasta mediados del siglo XX.

Esta película sin duda es una llamada de atención al racismo, pero no solo al del pasado americano que hemos mencionado, sino  todos los actos racistas que hemos vivido durante la historia del mundo.

Otro tema importarte que podemos abstraer de la película o que al menos he abstraído, es el abandono que sufren las personas al llegar a determinada edad. Lamentable que en un mundo en el que presumimos de valores morales, no tengamos el valor más importante y más primario, proteger  la familia y al más débil. Es muy triste ver como las personas mayores que durante toda su vida se han dedicado al cuidado de los demás ,llegan a una edad avanzada y las personas a las que han cuidado y amado no son capaces de cuidarles a ellos.

 En esta película aparece reflejado este conflicto social bajo la máscara del aparente desinterés  mutuo entre  el protagonista (un hombre ya jubilado) y su familia. Una familia movida solo por el interés económico de una futura herencia, una relación en la que tanto la familia como el protagonista se convierten en completos desconocidos. 

Irónicamente el protagonista acaba sintiéndose más integrado en el seno de la familia china que vive al lado, que en su propia familia.

LETTERS FROM IWO JIMA.- JOSÉ LUIS ABAD ORTEGA. A3

                                Titulo original: Letters  from Iwo Jima.

Autor: Clint Eastwood.

Género: Bélico.

La película está basada en la batalla en el islote de Iwo Jima durante la Segunda Guerra Mundial en el conflicto del Pacífico entre el ejército japonés y estadounidense. Esta batalla va ser clave para el avance en territorio japonés por parte de los americanos, ya que en realidad el islote es insignificante comparado con otros territorios pero es el centro estratégico desde Japón disponía la defensa de sus posesiones. Aquí se fraguó una de las peores batallas de la Segunda Guerra Mundial donde se cree que murieron alrededor de unos 30.000 y 40.000 hombres entre los dos bandos.

El film se va centrar en varios personajes pero el que se puede considerar como central es el general Tadamichi Kuribayash, hombre al que se encomiendo la protección de la isla. El general Kuribayash no va tener un trabajo fácil ya que parte de las tropas creen que es innecesaria la protección del islote ya que es una porción insignificante de tierra, además de los pocos suministros que tienen disponibles, el nulo apoyo de la armada y del ejército del aire por culpa de la destrucción de la armada imperial en las Marianas. Prácticamente se quedan aislados y abandonados a su suerte.

Kuribayash plantea un plan defensivo del islote creando una red túneles y cuevas para protección de los soldados dejando la línea de la playa totalmente sin defensa, ésto le provoca la oposición parte del cuerpo del ejército. Kuribayash va estar representado como un hombre sensato y amable, aunque no vacila en sus decisiones. En el desarrollo de la película nos vamos encontrar la oposición de su pensamiento con los demás miembros del ejército que son acérrimos a los ideales tradicionales inculcados en el ejército japonés como la imposibilidad de retirada o de huida, de morir en combate por la tarea que se asigna, es la única forma de morir con honor.

Los soldados del ejército japonés creen que el soldado americano es un hombre cobarde y sin valor, esto se debe al desconocimiento de la moralidad de los americanos, lo que les hace pensar a los japoneses que con menos efectivos conseguirán de todos modos la victoria. Con el desembarco todo cambia alrededor de unos 30.000 hombres tienen dispuestos a combatir a los americanos. El rápido avance americano provoca el pesimismo del ejército japonés y el derrotismo de las tropas.

Lo más destacable de la película es la nueva visión dada por Clint Eastwood de la guerra, ya que el consumidor de cine americano está acostumbrado a que se cuenten las películas del genero bélico desde el punto de vista del ejército americano donde normalmente se ensalza por su valentía, valor y honor, pero en este film la guerra desde el punto del perdedor que en este caso es el ejército japonés donde se va mostrar el miedo, el pánico, el horror, la cobardía, la desconfianza del cuerpo militar imperialista.

Otro aspecto destacable de la película son los flashback que sufren los diferentes personajes que van mostrar escenas de su propia vida y donde se va reflejar a la sociedad japonesa imperialista. Las escenas mostradas son duras, como la separación de la familia para ir a la guerra, la requisa de bienes del estado o el idealismo acérrimo del imperio japonés.

 TRAILER:http://www.youtube.com/watch?v=51lo2dpaZ_g

J.EDGAR.- JOSÉ LUIS ABAD ORTEGA. A3

Titulo original: J.Edgar.

Año: 2011.

Género: biografía

La película muestra la vida de J.Edgar Hoover, hombre que fue el creador de  la estructura que actualmente conocemos como F.B.I. que floreció durante los años 20 ligado al departamento de Justicia Estadounidense.

El personaje de Hoover es representando como un hombre muy ligado a su madre, muy influyente en su vida, necesitaba la aprobación de sus asuntos por parte de su madre. Es un hombre muy testarudo, malhumorado pero bajo esa capa de personalidad dura se encuentra los miedos de Hoover de no triunfar en su trabajo. Es un hombre muy desconfiado e inseguro, va necesitar a su hombre de confianza, Tolson, que posteriormente tendrá una relación un tanto extraña de trabajo y personal. En general en su cuerpo tiene haber personas dispuestas a dejarse la vida por el cuerpo. Es un personaje que no tendrá mucha estima al presidente de gobierno a los que tendrá que esquivar para seguir al poder del F.B.I.

Edgar comienza a trabajar después de licenciarse en el Departamento de Justicia que pronto pasara a ser director. Su trabajo principal era la lucha contra el idealismo comunista que estaba implantando en EEUU, para ello realizaran diferentes operaciones para deportar o encarcelar a los radicales comunistas. Tras estas operaciones el fiscal general le permite crear un organismo que solo respondiese ante él y estuviera separado del ámbito político. Además la gente que debe trabajar en este organismo tiene que ser cualificado. La amenaza comunista en el país se erradica pronto, pero otra nueva amenaza surge en Estados Unidos, la figura de gánster. Al cabo de los años el F.B.I. conseguirá cada vez más poder.

La película transcurre en diferentes períodos de tiempo, saltan escenas de diferentes épocas. Esto viene dado porque durante la película Edgar va contando su propia historia pasada. 

TRAILER: http://www.youtube.com/watch?v=7B4V1PJEGIk

HEARTBREAK RIDGE.- JOSÉ LUIS ABAD ORTEGA. A3

Titulo original: Heartbreak Ridge. 
Año: 1986. 
Género: Bélico.

La película se centra en el sargento de artillería Highway del ejército americano. Un hombre que vivió los plenos conflictos de la Guerra Fría como La Guerra de Corea, la intervención de EEUU en la Republica Dominicana o la Guerra de Vietnam. La participación en estos conflictos le va dotar de una gran experiencia en combate, también el contacto con el ejército y los conflictos va afectar en su personalidad, es un hombre muy testarudo, serio y valiente. Dando una imagen de no tener miedo a nada, ni a nadie. Este carácter duro le va causar peleas y enfrentamientos con otros personajes, además de los problemas personales con su exmujer y su problema con el alcoholismo.

El sargento Highway por su experiencia y considerado un estorbo es mandado a tomar las riendas de un grupo soldados novatos. El enfrentamiento con todo el mundo es continuo por parte Highway y los novatos no son menos, se topa con un grupo de jóvenes representados como rebeldes y desatados que no están bajo ningún control, en frente se van a encontrar al sargento que es un hombre con una mentalidad anclada en el pasado. El conflicto es constante entre los personajes aunque en definitiva acaban acostumbrándose a su modo de trabajo.

El sargento también tendrá un grave y frecuente choque durante toda la película con el Mayor Parsons. El enfrentamiento trasmite la disputa entre en un hombre formado en la nueva escuela y vieja escuela, es decir, el cambio producido en el ejército tras la Guerra de Vietnam para no volver a caer en los mismos errores pasados del ejército. Se representa al Mayor Parsons como un hombre muy disciplinado, sensato, severo, apasionado por la estrategia militar. La forma de ser del Mayor va entrar en conflicto con la de Sargento ya que no cree que la guerra se ha un juego de estrategia, lo único que quiere conseguir es que los reclutas novatos sepan sobrevivir dentro del campo de batalla.

El sargento es continuamente representado con un ideología muy cerrada, un odio profundo al comunismo, es el pensamiento constante mandado a la sociedad americana durante la Guerra Fría. En la película se muestra de manera clara cuando el ejército estadunidense interviene en la Isla de Granada contra el ejército comunista cubano. El ejército cubano es representado de manera desorganizada, con poca fuerza de combate, como si fuera una simple guerrilla todo lo contrario que la representación del ejército americano que aparece representado como un ejército idealizado donde destaca el valor, el compañerismo y el honor.

Este tipo de película no es novedad en esta década de los 80 durante la presidencia en EEUU de Ronald Reagan, películas que representan el poder militar de Estados Unidos que aplasta al comunismo. Eran utilizadas como propaganda de la ideología política y militar capitalista americana y mostrando a la Unión Soviética como estado antiguo e inviable. 

TRAILER:http://www.youtube.com/watch?v=JkjuojxaetI

SIN PERDÓN. Ángel Gonzalo Martín. A3

En Sin perdón, película del año 1992, Clint Eastwood es el protagonista de un western crepuscular, es decir, una película del oeste en la que el protagonista es un vaquero mayor, viudo ya retirado que se ve obligado a volver para conseguir dinero para sacar adelante a sus dos hijos.

La película comienza cuando dos hombres atacaron a una prostituta, y sus compañeras buscan venganza ofreciendo una recompensa de mil dólares a quien les mate, ya que el sheriff de Big Whisky, Little Bill (Gene Hackman) había absuelto del delito a los dos culpables a cambio de unos caballos.

William Munny (Clint Eastwood) recibe la visita de un hombre conocedor de su pasado como asesino y le ofrece la mitad de la recompensa del trabajo. En un principio la rechaza, pero por la necesidad del dinero acaba yendo con él, no sin antes pedir la ayuda a su antiguo ocio, Ned Logan (Morgan Freeman).

El sheriff, preocupado acaba con todos los hombres que llegan a la ciudad para intentar cobrar la recompensa entre ellos al trío protagonista, y da un paliza al Will que le deja al borde de la muerte. Aun así, los tres hombres cumplen su objetivo, aunque Ned sintiéndose mal no quiere volver a su vida de crimen anterior y al terminar con el primero de los hombres se vuelve a casa. Sin embargo los hombres del sheriff le dan caza y acaban con su vida.

Will y el otro socio, “Schofield Kid” (Jaimz Woolvett), matan al segundo de los delincuentes. Con el trabajo hecho van a cobrar la recompensa para regresar a casa, pero una de las prostitutas al ir a darles la recompensa, les dice que su Ned ha sido asesinado por el sheriff, por lo que Will Munny va al pueblo buscando venganza, el final no le vamos a desvelar por aquí.

La película es un western crepuscular, que son películas del oeste clásicas pero protagonizadas por personajes mayores, curtidos por la experiencia y desengañados por la vida. Duros y cansados, acaban haciendo frente a un oscuro y cruel pasado lleno de muertes y crimines, ya no son luchadores y héroes honrados como en los clásicos.

 Es un género que refleja añoranza por la etapa de esplendor del género del oeste y romanticismo sobre el fin de la época, habitualmente representada con la llegada del ferrocarril. Los autores clásicos del género como Eastwood representan la pérdida de épica de los protagonistas (Will Munny cayéndose del caballo al montar), que quieren resolver su última misión y retirarse.